Estudio fotográfico, varias ángulos para tomar una fotografía.
Se llama fotografía a una técnica y a una forma de arte que consisten en capturar imágenes empleando para ello la luz, proyectándola y fijándola en forma de imágenes sobre un medio sensible (físico o digital). La fotografía toda se basa en el mismo principio de la “cámara oscura”, un instrumento óptico que consiste en un compartimiento totalmente oscuro dotado de un agujero pequeño en uno de sus extremos, por el cual ingresa la luz y proyecta sobre el fondo oscurecido las imágenes de lo que ocurra afuera del compartimiento, aunque invertidas. En el caso de las cámaras fotográficas, el principio es exactamente el mismo, excepto que están dotadas de lentes para afinar el foco de lo proyectado, espejos para reinvertir la imagen proyectada y por último una cinta fotosensible (o un sensor digital semejante), que capta la imagen y la guarda, para poder luego revelarla o visualizarla digitalmente. Las imágenes obtenidas así también se denominan fotografías o fotos, y son el resultado de décadas de perfeccionamiento de la técnica y de los materiales fotosensibles, hasta lograr la calidad óptica de las cámaras modernas. Además, esta tecnología permitió el desarrollo y perfeccionamiento de otras semejantes, incluida la cinematografía.
El calotipo fue la primera forma de obtener varias copias de un negativo. El primer intento fotográfico experimental de éxito fue el heliograbado, descubierto por Joseph Niépce alrededor de 1820. Este químico francés utilizó una cámara oscura donde exponía durante ocho horas una superficie de papel, cristal y metales como el estaño, el cobre y el peltre. El resultado era una impresión más o menos clara de lo observado. Pero como no se había resuelto el tema del fijado, las imágenes obtenidas así se acababan perdiendo lentamente. En 1825 obtuvo la primera imagen permanente utilizando una mezcla de betún de Judea como mezcla fotosensible. Estas experiencias fueron heredadas por Louis Daguerre, socio de Niépce, quien en 1837 desarrolló y difundió en el mundo el daguerrotipo. Era un procedimiento similar al de su socio, pero empleaba una superficie de plata pulida como un espejo y revelándola con vapores de mercurio. Las imágenes así obtenidas eran únicas e irrepetibles, y requerían de mucha luz, por lo que se hacían sólo en exteriores. Los tiempos de exposición seguían siendo largos (unos 10 minutos) por lo que era necesario usar aceleradores químicos. Las primeras copias fotográficas se lograron en 1840, cuando William Fox Talbot desarrolló el calotipo. Este sistema permitía obtener negativos de papel de la imagen fotográfica. Estos podían ser positivados sobre otra hoja de papel, humedecido en una solución ácida de nitrato de plata. Luego se introdujo la cianotipia, que producía copias del original. En 1851 Gustave Le Gray introdujo un nuevo mecanismo fotográfico: el colodión húmedo. Consistía en derramar esa sustancia entre dos láminas de vidrio y luego revelar en sulfato de hierro amoniacal. Desde entonces se inicio la masificación de las imágenes fotográficas con este método, que imperó hasta 1885.
-Fotografía publicitaria: Aquella que sirve de publicidad o promoción a los productos de consumo, sean los que sean. A menudo es objeto de intervenciones digitales y otro tipo de “correciones” estratégicas.-Fotografía de moda: Aquella que acompaña a los desfiles y a otros eventos de moda, haciendo énfasis en la manera de vestir o de lucir o de peinarse. -Fotografía documental: También llamada histórica o periodística, se hace con fines informativos o pedagógicos, es decir, como parte de la transmisión de un mensaje.
-Fotografía paisajística: Aquella que se toma para exhibir la naturaleza en su plenitud, como las tomas aéreas o submarinas, usualmente muy abiertas y llenas de color.
-Fotografía científica: La que toman los estudiosos de la naturaleza a través de telescopios, microscopios y otras herramientas, para mostrar lo que comúnmente no se puede observar a simple vista.
Fotografía artística: La que persigue fines estéticos: retratos, montajes, composiciones, etc.
-Fotografía de retrato: Dentro de los distintos tipos de fotografía, el retrato fotográfico busca captar la esencia, la apariencia y los rasgos más característicos de la persona fotografiada. La fotografía de retrato surge casi a la vez que la invención de las cámaras, siendo un método muy accesible y barato para plasmar la imagen de una persona, como ya se hizo con la pintura de retrato. Existen variantes dentro de la fotografía de retrato donde pueden cambiar los planos (plano detalle, plano medio, primer plano, primerísimo primer plano…) y la luz (luz frontal, luz lateral, luz de relleno, luz de fondo...)
-Fotografía periodística:el fotoperiodismo es un género dentro del periodismo como tal que está directamente relacionado con la fotografía, el diseño gráfico y el vídeo. Se ha desarrollado sobre todo en los conflictos bélicos de distintas partes del mundo y ha sido vital para registrar la historia de acontecimientos como la Guerra Civil Española.
-Fotografía aérea:permite realizar fotografías a gran altura, dando lugar a imágenes increíbles de lugares como nunca antes las habrías visto de no ser por este tipo de fotografía.
-Fotografía submarina: La fotografía submarina va ligada al buceo, también se puede realizar sin botella a una profundidad menor o incluso con snorkel, pero los resultados no serán los mismos. Es un tipo de fotografía bastante costoso, por un lado debido a la práctica de submarinismo para llevarla a cabo y por otro la compra del material fotográfico. Algo a tener en cuenta en la fotografía submarina es el color dependiendo de la inmersión: a 3 metros el rojo es pardo, los naranjas son amarillos y a partir de 15 metros todo es azul.
Fotomacrografia: Con esta fotografía podemos acercarnos tanto a los objetos y sujetos cotidianos que descubriremos multitud de detalles ajenos a nosotros hasta el momento en el que tomamos la foto. Consiste en tomar fotos de los objetos acercándose tanto que el tamaño del objeto en la película o en el sensor sea igual o superior al que tenga en la vida real. Podremos realizar este tipo de fotografía con el sensor macro.
Toda cámara posee una abertura en su parte frontal y, en su parte posterior, el material que va a ser impresionado por la luz. Al mismo tiempo, está compuesta por:
·Caja o cuerpo de la cámara: Estuche cerrado a la luz que constituye el cuerpo de la cámara, valga la redundancia.
·Película. Material fotosensible que experimenta una alteración química cuando es iluminado. Esta modificación es la que guarda la información visual del objeto en cada fotografía. Hay diferentes tipos de películas y varios formatos que determinan las características requeridas del conjunto de rayos necesario.
·Diafragma: Dispositivo a base de laminillas móviles intercaladas, que se cierran un poco para dejar paso a la luz para que la película se pueda imprimir. El diafragma regula esa luz según unos números que pertenecen a las distintas aberturas. Cuanto mayor sea la apertura, dichos números son menores.
·Obturador: Regula el tiempo que actúa la luz sobre la película sensible. Existen dos tipos:
·Central: Cuando está situado en el propio objetivo
·De cortinilla o plano focal: Cuando está colocado ante la película, como parte de la propia cámara y no del objetivo. Corrientemente, cuanta más luz haya, menor será la abertura.
·Visor: Pequeña ventana para mirar por ella, puede tener una lente propia o utilizar un aparato que le permita ver a través del cuerpo de la cámara. Gracias a él, el fotógrafo ve y compone el tema,
·Objetivo: Reproduce, sobre la película, el motivo. Puede acoplarse a las cámaras. Hay de varios tipos, los cuales diferencia por su distancia focal:
·Los de 50 mm: Reproducen la imagen en sus proporciones reales. Son los más comunes.
·Los de foco largo o teleobjetivos: Tienen una distancia focal más larga que los objetivos corrientes y permiten "aproximar" los objetos lejanos.
·Gran angular: Posee una distancia focal menor que los usuales e incluye una mayor superficie del objeto, la gran mayoría de las veces con cierta deformación en sus extremos.
·El ojo de pez: Objetivo de gran angular de mínima distancia focal que deforma la imagen de forma exagerada, como consecuencia las líneas rectas se presentan curvadas y se estrechan los detalles de los bordes. Solamente suele aplicarse cuando se busca deliberadamente dicho efecto.
·Control de perspectiva: Corrigen la convergencia de líneas paralelas -distorsión común al resto de los objetivos- y se emplean sobretodo en la fotografía arquitectónica.
·Los zoom: Originalmente fueron usados en las cámaras cinematográficas. Pueden acercar o alejar la imagen que se desea fotografiar.
·Objetivo macro: Cuando se retratan objetos a muy corta distancia, se tiene la posibilidad de corregir las aberraciones ópticas.
·Teleobjetivos: Es necesario incrementar la amplificación (distancia focal) y la apertura del sistema cuando se procura fotografiar imágenes de objetos lejanos para que capte la máxima energía posible. Evitar las excesivas dimensiones de la cámara, se prepara una lente convergente y otra divergente. Esto permitirá que aún con una distancia focal grande, la imagen esté enfocada.
·Flash: Su función es iluminar objetos sin luz, o con luz insuficiente. El flash se desarrolló desde los primitivos sistemas que recurrían a la explosión de polvos de magnesio hasta las modernas bombillas y dispositivos electrónicos, que controlan la intensidad lumínica requerida.
Diafragma, obturador y lentes hacen posible la proyección de la imagen sobre el material sensible de una manera adecuada. Para que esto ocurra claramente es preciso ajustar la distancia entre las lentes del objetivo y la película, variable según la cercanía o alejamiento del objeto por fotografiar respecto de la cámara. Según esto, existe una relación numérica en el objetivo, a través de la cual el experto ajusta la imagen a la distancia. Algunas cámaras automáticas pueden realizar por sí solas esta operación.
También es primordial señalar otros elementos de la cámara, así como por ejemplo uno que está relacionado con el enfoque denominado profundidad de campo, que se vincula con el intervalo de distancias dentro del cual la imagen por fotografiar, la cual resulta bien definida en el enfoque. Ésta será menor cuanto más abierto esté el diafragma y mayor a medida que se cierre.
Otros elementos que pueden formar parte de la cámara son los filtros, que cambian la forma en que una película registra colores o valores tonales. Son discos de cristal y gelatina que se colocan delante del objetivo. A veces, están coloreados en función del efecto que se persigue. Hay otros de carácter especial, como los polarizados, que corrigen el efecto de los reflejos; los ultravioletas, que absorben los rayos ultravioletas; y los infrarrojos, que se usan para hacer visibles efectos pobremente iluminados para la visión común.
El derecho de autor considera a las imágenes fotográficas a los fines de tutelar las imágenes de personas o de aspectos, elementos o hechos de la vida natural o social obtenidas mediante el empleo de un procedimiento fotográfico o proceso análogo.
Todos los autores, sean profesionales o no, tienen, por el solo hecho de haber creado su obra, en exclusiva una serie de derechos de carácter económico y moral sobre ésta.
Los derechos morales definen el respeto de su autoría sobre la obra y por tanto el deber de hacer constar siempre su nombre, y el derecho que no se modifique la obra sin su consentimiento. Los derechos morales son irrenunciables e inalienables. Por lo tanto siempre han de ser respetados y no tiene valor la renuncia.
Corresponde al fotógrafo, salvo en algunas cuestiones relativas a los retratos fotográficos, el derecho exclusivo de reproducción, difusión y venta. Sin embargo, si la obra se ha obtenido en el marco de contrato de arrendamiento de servicios o de trabajo, y bajo expreso consentimiento del autor, el derecho de reproducción, difusión y venta puede corresponder al responsable del encargo contractual, mientras que los derechos de autoría son irrenunciables. La duración de los derechos sobre la fotografía la determina el acuerdo legal entre el autor y el responsable del encargo contractual.
El Derecho también protege la privacidad del sujeto fotográfico. De hecho está permitida la difusión de fotografías sin el permiso del sujeto solo en los casos de personajes públicos, entendidos como personas que, por trabajo o cargo público, resultan de notoriedad pública. En el resto de los supuestos, el fotógrafo titular de la obra debe obtener el permiso del sujeto a la publicación y exposición pública. En caso de hacerlo sin permiso del sujeto fotografiado, este tiene derecho a denunciar al fotógrafo.
El enfoque es la disposición justa de los lentes que permite la nitidez de la imagen.
A la hora de capturar la imagen, los fotógrafos toman en cuenta los siguientes elementos:
Enfoque. La disposición justa de los lentes de la cámara que permite que la imagen se capture con la nitidez precisa, haciendo foco en los elementos importantes de la misma y no en el fondo.
Apertura. El grado de apertura del diafragma, o sea, equivalente a la cantidad de luz que se deja entrar de golpe al presionar el obturador. A más cantidad de luz permitida, blancos más intensos y brumosos; a menor cantidad, fotografías oscuras
Velocidad de obturación. La cantidad de tiempo durante la cual se expone la película o el sensor a la luz del exterior de la cámara. Si la luz ambiental es poca, requerirá mayores tiempos de exposición, y viceversa.
Balance de blancos. Sólo en los equipos digitales contemporáneos, el computador que hay dentro del aparato permite calibrar la temperatura del color, optando entre una luz más blanca (fría) o amarilla (cálida).
Sensibilidad fotográfica. Antiguamente tenía que ver con el tipo de material fotosensible: algunos permitían captar más luz que otros, pues tenían distintos grados de sensibilidad. En los equipos digitales el sensor está programado para simular dichos efectos, permitiendo una mayor o menor sensibilidad según se desee.
Isla Pagoda en la desembocadura del río Min de John Thomson, 1870.
La fotografía no fue siempre considerada un arte. Su integración al arte fue un proceso muy discutido que comenzó con los fotógrafos retratistas. El retrato fotográfico tuvo gran acogida como reemplazo del retrato pintado ya que aquel era mucho más barato. De hecho, fotógrafos pioneros como Daguerre, fueron antes pintores o dibujantes. Debido a la polarización creciente del retrato fotográfico en detrimento del pintado, gran cantidad de pintores decidieron convertirse en fotógrafos retratistas para sobrevivir. Este fue el caso de Félix Tournachon, Gustave Le Gray y el segundo de los hermanos Bisson. Incluso Paul Delaroche llego a vaticinar la muerte de la pintura sustituida por la fotografía por el nivel de detalle que ésta permitía. Este fue el primer ingreso de la fotografía al medio artístico. Además estos pintores fueron algunos de los que lucharon porque la fotografía fuera considerada un arte.
Muchos pintores sin embargo apoyaban las críticas de Baudelaire en 1859, para quienes los primeros fotógrafos eran pintores fallidos que escondían su falta de talento en lo mecánico de un medio que dejaba escasas posibilidades a la creatividad. Así la fotografía reproduce con exactitud la naturaleza, lo cual impide la subjetividad e imaginación del artista, algo que se considera fundamental en la producción de una obra que se considere artística.
A mediados del siglo XIX apareció una nueva tendencia artística, el naturalismo. La aparición de esta nueva tendencia, centrada en la objetividad, buscaba imitar la realidad y la naturaleza con un alto grado de perfección y despreciaba la subjetividad. Así, el naturalismo fue la puerta que se abrió para dar a la fotografía una verdadera importancia en el arte ya que al imitar de una forma casi perfecta la realidad, superaba ampliamente a la pintura en este aspecto. Por otra parte, el constante desarrollo de la fotografía en esa época, básicamente con las nuevas técnicas sobre la utilización de la luz del sol, dio origen a fotos con un mayor significado estético, lo que llevó a un nuevo acercamiento de la fotografía hacia el arte.
Más tarde se descubrieron técnicas usando clara de huevo, que hacían posible que la imagen por sí misma se quedara grabada en el papel. Esta técnica se fue perfeccionando gracias a la comprensión del fenómeno químico implicado y a una continua experimentación con materiales alternativos. Pronto fue posible tener una caja con un papel fotosensible oculto de la luz, un cañón con el que enfocarla, y un obturador para hacer pasar la luz el tiempo suficiente para que impresionara la película.
La fotografía como arte, ciencia y experiencia humana fueron evolucionado en paralelo durante este tiempo. En cuanto fue posible hacer de la cámara un dispositivo móvil fácil de manejar apareció la posibilidad de influir en el espectador mediante la posición de la cámara y su enfoque, lo que permitían trasladar la subjetividad del fotógrafo a la fotografía, además de ir construyendo un lenguaje artístico.
En sus principios, para que una obra fotográfica sea considerada obra de arte se han tomado como pilares aquellos considerados por la pintura, incluido el retrato, el paisaje, el desnudo, etc.: la belleza y la verdad.
Según la visión de los movimientos Vanguardistas (Cubismo, Futurimso, Expresionismo, etc), el arte tiene que ver con la experimentación de nuevas formas expresivas, convirtiendo así a la cámara en un medio artístico. Algunas experimentaciones fueron mediante combinaciones, solarizaciones (Man Ray), retículas, desenfoques, granulados, encuadres, etc.
En Manthattan, Nueva York se abrió la famora Photosecession de Stiegliz que hizo que la fotografía alcanzara estatus de obra de arte e introdujo la vanguardia europea en América, exponiendo obras de Cézanne, Picasso, Matisse entre otros. Luego se sumaron los dadaístas y los surrealistas, quienes tuvieron gran aceptación en América. Para entonces la fotografía era un medio de expresión plástica con valores que radican en el factor mecánico. A Marcel Duchamp se le atribuye la frase “arte es lo que el artista dice que es arte”, como una provocación contra el esteticismo elitista dominante.30
De esta manera el fotógrafo artista vuelve a recuperar su sensibilidad, su visión singular. Así artistas como Man Ray mezclaban la fotografía con la pintura, el grabado creando imágenes singulares, collages y fotomontajes. Por otra parte, ya entonces, y aun hasta la actualidad, estas producciones fotográficas son consideradas obras de arte desde el momento en que informan, transforman, revelan, cuestiona, etc.
Ya en las décadas de 1970 y 1980, escritores como Craig Owens, argumentaron que la tarea fundamental del arte era reflexionar sobre como las imágenes crean significado.
Como señala el artista y escritor Victor Burgin en su artículo de 1977 titulado «Looking at Photographs»: «La fotografía es un lugar de trabajo, un espacio estructurado y estructurante en cuyo interior el lector despliega, y es desplegado por los códigos con los que está familiarizado con el fin de crear sentido».
La fotografía se convierte así en un medio ideal para crear sentido en los más diversos temas. Robert Mapplethorpe, por ejemplo, utilizó la fotografía como medio para abordar temas de identidad sexual, entre otros.
A su vez, como toda obra de artes es inherente a su contexto, la fotografía refleja los distintos tiempos en que se desarrolla.
En su libro de 1996 El arte moderno en la cultura de lo cotidiano, Thomas Crow admite que las radicales ambiciones de la vanguardia artística nunca se hicieron del todo realidad: «La cultura bajo las condiciones del capitalismo desarrollado muestra los dos momentos
de la negación y la tendencia, últimamente irresistible, a la acomodación». Para Crow, el valor del arte reside en la lucha constante por mantener la identidad independiente, ya que el arte no es para el mercado sino para los públicos, siempre diversos y cambiantes.31
En la actualidad, la fotografía artística en sí, tiene un carácter muy subjetivo. Los movimientos artísticos durante las primeras décadas del siglo XX, particularmente el Modernismo y sus ramas derivadas que van desde el impresionismo en la pintura y su consiguiente marcha hacia lo abstracto tuvieron una gran influencia en la fotografía.32 Ya en la actualidad, la fotografía artística pura es casi completamente subjetiva y la manipulación de las imágenes se ha convertido en una herramienta fundamental en su expresión artística; la fotografía de Annie Leibovitz, Helmut Newton y David LaChapelle entre otros, siguen siendo parte de la nueva revolución fotográfica.
El lenguaje artístico fotográfico partió de la herencia de la pintura. Sin embargo, rápidamente amplió su léxico gracias a la facilidad de hacer enfoques extremos (picados, contrapicados, etc.), la captura del movimiento con largos tiempos de obturador y la decisión del momento. La presión sobre el fotógrafo para marcar su subjetividad en la fotografía forjó un lenguaje lleno de sutilezas pero perfectamente comprensible, muy directo para cualquier observador.
La fotografía es un elemento esencial en cualquier cultura, por eso enfocarse en la misma genera un proceso de reflexión artístico para lograr la comunicación visual que se pretende proyectar, considerándola como un aspecto que permite la representación y caracterización de diversos grupos de la sociedad, además de lo anterior, instituye una referencia visual que permite revelar información y generar emociones, para utilizarla como un instrumento de investigación y documentación en cualquier contexto social.
Hoy la fotografía es practicada por millones de personas en todo el mundo armados con buenas cámaras fotográficas. Actualmente se prefieren las cámaras con una buena óptica y muchas opciones que añadan flexibilidad, frente a las cámaras orientadas al consumidor, donde la óptica y el obturador quedan dirigidos por la electrónica restando al hecho de hacer una foto gran parte de su imprevisibilidad. La aparición de las cámaras digitales, cámaras mixtas con vídeo y la fotografía en entornos de realidad virtual complican, enriqueciendo, el futuro de este arte.
Según Roland Bartes, en “La cámara Lucida”, “Lo que caracteriza a las sociedades llamadas avanzadas es que tales sociedades consumen en la actualidad imágenes ya no, como las de antaño, creencias: son, pues, más liberales, menos fanáticas, pero son también mas “falsas” (menos auténticas)”.
Durante las últimas décadas, los avances tecnológicos y el desarrollo de teléfonos inteligentes cada vez más inteligentes -especialmente tras la aparición del primer iPhone de Apple y la evolución que trajo aparejada- han llevado la fotografía a un nivel que va más allá de las nuevas técnicas y programas de postproducción: a la era de la fotografía móvil. Un punto en el que entran en juego desde la creación de apps de edición y redes sociales, hasta la fabricación de lentes específicas para cámaras móviles. Y es que todo ha cambiado desde que en el año 2000 Sharp y J-Phone crearan su primer teléfono dotado con cámara fotográfica. La cámara del J-SH04 era capaz de tomar fotografías con una resolución de 0.1 megapixeles para un display de 256 colores. En todo caso, la cámara para móviles fue inventada en junio de 1997 por Philippe Kahn, un invento para el que combinó portátiles, móviles y cámaras digitales; y con el que compartió la fotografía de su hija recién nacida.
Hoy la mayoría de nuestros dispositivos -incluso los de gama baja- cuentan con una resolución superior a los 16 megapixeles en la posterior, 8 en la frontal, y son incluso capaces de grabar vídeos en 4K. Sin embargo, hasta el año 2009 no se vivió una auténtica revolución en este ámbito. Hasta entonces, Samsung, HTC, Nokia y Sony Ericsson -entre otras marcas- habían jugueteado entre los 3 y los 8 megapixeles. Pero no fue hasta el 2009 cuando esta primera lanzó el Samsung M8910 Pixon12, un terminal que venía con una cámara de 12 megapixeles. Nokia y Ericsson contraatacaron poco después con los 12 y 16 megapixeles del N8 y el S006, respectivamente.
A partir de entonces el trabajo se ha centrado en la mejora de los sensores, en la estabilización óptica, en la inclusión de controles manuales y en el alumbramiento de nuevas tecnologías de captación de la luz, incluso con la cámara frontal. El añadido de una cámara posterior más ha sido otro de los grandes aterrizajes en el sector de la fotografía, pues permite jugar con el desenfoque a posteriori como si de una edición en RAW se tratase.
Los avances tecnológicos y la fotografía móvil dieron lugar a la popularizacion de nuevas técnicas de fotografía como el autorretrato o selfie, muy ligados al uso de redes sociales..
Unas innovaciones que, al mismo tiempo, han dado lugar a nuevos profesionales y expertos en fotografía móvil como Kevin Russ, Olly Lang, Rodrigo Rivas, Javier Castañeda, Koshi Nishijima, y Nico Oppel, que aprovechan las dimensiones, tamaño y perspectiva de estos dispositivos para dar lugar a nuevas composiciones y técnicas.
La fotografía revolucionó para siempre la humanidad. La posibilidad de capturar imágenes de manera rápida y eficaz, pudiendo luego recuperarlas y exhibirlas, supuso un cambio en lo que hasta su aparición se consideraba la información, la mirada e incluso la verdad. La presencia de las cámaras, que incluso ahora llevamos en nuestros teléfonos celulares, nos permitió inmortalizar todo tipo de eventos. Además de poder compartir estas imágenes con amigos o extraños permite también denunciar eventos de los que, de otro modo, no habría quedado prueba alguna.
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